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Il servizio in Italia è attivo a Milano ed è già di moda durante Design Week, come per l’Elita Festival.

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In questo contesto intimo ed esclusivo, fuori dal caos mondano della fashion week milanese, si è svolto l’evento “Once Upon My Time” che ha ospitato l’anteprima della preziosa collezione del brand (es)* Artisanal del fashion designer Fabrizio Talia.

“Un artigiano autodidatta“, così si definisce Talia,  che vuol recuperare la ricchezza del patrimonio artigianale italiano e i valori della moda intesa come libertà creativa contro lo strapotere del mercato. Le sue collezioni sono concepite come dei collage che lo aiutano a concentrarsi sui capi che  hanno espresso valori estetici diversi a seconda del contesto storico, per poi ricontestualizzarne gli elementi estetici slegandoli dal mercato. Un modo personale di veicolare un’identità femminile “archetipica”.

Con “Once Upon My Time“, Lancia rafforza il suo legame con il mondo della moda, uno dei campi di ricerca e di studio di LanciaTrendVisions.com oltre che territorio di comunicazione strategico dove ritrovare valori condivisi: dall’eleganza alla creatività, dall’innovazione all’esclusività. Nato online nel 2010 come progetto di ricerca e scouting internazionale, LanciaTrendVisions.com è diventato un web magazine di riferimento per la promozione e la diffusione di nuove idee, linguaggi creativi diversi, ispirazioni e artisti emergenti.

La serata all’insegna dell’alta moda è stata anche l’occasione per dare il via al contest online ‘Up&More’ mettendo in palio proprio due accessori di (es)* Artisanal realizzati in collaborazione col designer industriale Diego Erre.

Mi piace concludere con una frase di Fabrizio Talia che tocca un tema più che mai attuale:

Non esiste volgarità o raffinatezza. La moda è sempre stata una questione di atteggiamenti. Purtroppo i media li hanno corrotti, in particolare quelli femminili.

immagine via lanciatrendvisions.com

immagine via lanciatrendvisions.com

Il cocktail di presentazione si è tenuto tra le colte e solenni mura della Pinacoteca di Brera a Milano, che ha fatto da elegante cornice alla classe italiana.

I protagonisti di questo libro voluto da Diego Della Valle sono uomini che rappresentano lo stile attraverso scatti spontanei di vita vissuta in città, in azienda, da Milano alla Sicilia, a cavallo o in bicicletta, ma pur sempre con quel certo buongusto tipico del gentleman italiano.

Da Guglielmo Miani a Giovanni Gastel, Luca Rubinacci e molti altri, ritratti nelle loro abitazioni, insieme ai loro amici con lo sfondo di alcuni dei più bei paesaggi italiani, Italian Portraits esprime il talento di unire l’estetica all’etica, la contemporaneità alle tradizioni, attraverso personaggi dall’eleganza non ostentata.

Il libro celebra le origini nel Made in Italy, l’importanza dell’artigianalità, delle cose fatte con cura e dei valori senza tempo che fanno parte di uno stile di vita ben radicato nel nostro Paese.

Qui ci sono gli italiani veri nelle loro vere case con il loro stlie di vita italiano. Molta sostanza, poco gridato. Che è quello che significa italian style (Diego Della Valle).

Violento, lirico e commovente. C’era una volta in America ritorna nella versione restaurata sugli schermi del prossimo Festival di Cannes. Un restauro fortemente voluto da Martin Scorsese con la sua Film Foundation e realizzato grazie alla collaborazione della Cineteca di Bologna con il Laboratorio Immagine Ritrovata e  il finanziamento della Film Foundation di Gucci.

Il 18 maggio C’era una volta in America sarà presentato con 25 minuti di scene in più recuperate dopo il primo montaggio di Sergio Leone. I diritti di queste scene completamente inedite e tagliate dal primo director’s cut sono stati ricomprati da Andrea e Raffaella, rispettivamente fratello e sorella di Sergio Leone, dal produttore del film Arnon Milchan. Milchan distribuì inizialmente il film montato in ordine cronologico, senza i caratteristici flashback, tagliandone ben 135 minuti in tutto.

Il restauro di questo director’s cut ha richiesto un anno di lavoro poiché, oltre ai fotogrammi, ci sono anche il sonoro e la colonna sonora di Ennio Morricone.

Come la Cineteca di Bologna e la Film Foundation di Martin Scorsese, Gucci celebra ancora una volta la sua storia influenzata dal cinema, trasmettendo l’importanza della conservazione e dell’impegno nel preservare e restaurare il lavoro di artisti appartenenti al nostro patrimonio culturale e le cui opere sono in pericolo di deterioramento.

Proprio come il protagonista Noodles (interpretato da un indimenticabile Robert De Niro), Once Upon a Time in America torna dal passato alla ricerca del tempo perduto.

Questo film è  e resterà un capolavoro cinematografico di forza, paura, bellezza e lirica straordinarie, la dimostrazione che “il tempo non può scalfire” (cit. Noodles).

Ribloggato da Zelda Roc:

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Questa, per Zelda Roc, è di sicuro l'intervista dell'anno. Non solo perché parla della vita di un'icona del XX secolo che ha ispirato il suo nome e la sua indole, ma soprattutto perché esprime pienamente il suo modo di vedere la vita e la moda: a fumetti.

Tiziana Lo Porto è l'autrice del graphic novel SuperZelda, il ritratto a fumetti della romantica e spericolata coppia di…

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The Artist è un bellissimo film muto sull’avvento del sonoro, un eccellente omaggio al cinema degli Anni ’20 che fa riflettere anche sull’importanza della comunicazione in assenza di parole. Nel film sono la musica, le emozioni, le immagini e la bravura degli attori a fare da filo conduttore alla storia. Ed anche gli abiti.

Mark Bridges, costume designer del film, ha vinto l’Oscar per i migliori costumi durante l’84esima edizione degli Academy Awards. Pur in bianco e nero, il fim riesce ad avere i suoi propri colori ponendo l’accento sulla texture degli abiti. Gli attori, per Bridges, dovevano spiccare sul bianco e nero del film. La storia si poteva raccontare con la texture di abiti che risaltassero dallo sfondo. Ad esempio, quando inizia la decadenza della carriera di George (Jean Dujardin), gli abiti sono leggermente più larghi perché riflettono in qualche modo la decadenza del suo successo. George è diventato un uomo meno importante di quello che era.

Lamé, paillettes e perline per Hollywood, lana a trama larga per comunicare “down-on-your-heels”, l’eleganza dei risvolti in satin per la sera o la lucentezza di una camicia da notte diventano anche protagonisti del film. Sono i tessuti e le loro trame che raccontano la storia. I costumi sono ispirati ad una moltitudine di film degli anni ’20 caratterizzati da guardaroba “emozionali”. La più grande ispirazione è stata Show People, film del 1928 con Marion Davies e William Haines. Il look di George Valentin negli studi cinematografici in The Artist è ispirato a quello dell’attore John Gilbert, che è anche un cameo in Show People.

Per Peppy Miller (Bérénice Bejo) Mark Bridges si è ispirato alle immagini dell’attrice Joan Crawford nel film del 1928 Our Dancing Daughters, ma anche ai film Sunrise (1926) e City Girl (1930). Alcuni vestiti indossati da Bérénice Bejo saranno in mostra fino al 28 Aprile 2012 al FIDM Museum Art of Motion Picture Costume Design di Los Angeles. Ci sono l’abito che Peppy Miller indossa quando strizza l’occhio a George Valentin, l’impermeabile e l’ombrello a fiori che usa quando va a trovarlo a casa durante una tempesta.

I cappelli Homburg (detti anche “alla diplomatica”), i guanti e l’abito tre pezzi indossati da Jean Dujardin rappresentano quello che Bridges definisce il “vestire con precisione“. “Spero che il film influenzi la moda in un modo di vestire molto preciso, in cui ci si prenda cura di ciò che si indossa. Per vestirsi con precisione intendo quando la tua camicia ti va a pennello o se i vestiti sono fatti su misura anziché essere presi da uno scaffale. Tengo molto allo stato del personaggio rispetto a quello che indossa. Per esempio, se non sta bene forse indossa qualcosa di comodo o che non gli sta troppo bene. Provo costantemente a leggere nella mente dei personaggi e a capire che momento stanno vivendo”.

Gli anni ’20 quest’anno hanno invaso le passerelle come quelle di Gucci, Ralph Lauren, Etro, Marni, Alberta Ferretti, Marchesa o Marc Jacobs per la Primavera/Estate 2012. Ma anche al cinema si rileva la nostalgia delle atmosfere tipiche di quest’epoca in film come Midnight in Paris di Woody Allen e Il Grande Gatsby di Baz Luhrmann. Tra moda e film, nel mondo dei graphic novel fa capolino SuperZelda, la biografia a fumetti scritta e illustrata da Tiziana Lo Porto e Daniele Marotta che racconta le vicende “spericolate” di Zelda Sayre, moglie e grande amore dello scrittore Scott Fitzgerald.

E se The Artist fosse l’esempio che l’evoluzione del nostro modo di comunicare ha raggiunto un livello tale da farci ricominciare lentamente a desiderare un ritorno a forme di espressione più semplici ma che trasmettono l’essenza delle emozioni umane? L’unica certezza è che l’arte del saper raccontare non morirà mai.

Buena Vista!

Ogni tessuto è la testimonianza di ciò che siamo stati.

Un’esplorazione dell’essenza attraverso l’estetica. In Io sono l’Amore di Luca Guadagnino, la sontuosa Villa Necchi Campiglio, costruita fra il 1932 e il 1935 a Milano, si presenta come lo spazio fisico della solitudine interiore.

Il design degli interni di questo capolavoro razionalista dell’architetto Piero Portaluppi, come la rigidità dell’architettura milanese, si riflettono anche nell’eleganza misurata e nel minimalismo di abiti e accessori della famiglia Recchi. Ogni elemento è in sintonia con l’ambiente che lo circonda. Quest’estetica influenza anche gli animi dei personaggi. La set designer Francesca Di Mottola afferma, a proposito di Emma Recchi [Tilda Swinton], che “Villa Necchi Campiglio è una gabbia dorata in cui è imprigionata“. Ispirata al cromatismo di Sacrificio, del regista sovietico Andrej Tarkovskij, e al Fanny e Alexander di Ingmar Bergman, Francesca Di Mottola abbina l’autocontrollo dei caratteri allo schema cromatico degli interni di Villa Necchi, facendone un’ampolla di vetro che circonda e soffoca Emma.

Se Villa Necchi e i suoi interni rappresentano la solitudine di Emma, gli abiti raccontano la storia della sua rivoluzione interiore. Nella narrativa di un film, i costumi si caricano di senso al di là  della loro funzione d’uso. Gli abiti raccontano storie, racchiudono passioni, valori, ricordi. A livello espressivo, il cambiamento di abito può scandire il tempo della narrazione e le trasformazioni di un personaggio sul piano del contenuto.

Antonella Cannarozzi, costumista del film, ha una predilezione per gli abiti “che non si vedono, totalmente al servizio della storia e dei personaggi“. Così gli stati mentali di Emma si esprimono in una serie di accostamenti e capi dalle tonalità accuratamente ricercate che rappresentano anche la sintesi del lusso, purificato da ogni eccesso, dove la ricchezza non è ostentazione ma ricerca del dettaglio. Per vestire Tilda Swinton, Antonella si è ispirata alla palette di colori di un libro sulla pittrice russa Sonia Delaunay. Raf Simons, direttore creativo della maison Jil Sander, ha riprodotto questa palette per tutti gli abiti.

I colori assumono tonalità sempre più calde inseguendo l’intensificarsi delle emozioni, per sfociare in un’estasi che abbraccia tutti i sensi. Gli eleganti tessuti entrano in un’armonia corale con l’arte culinaria ed i colori delle pietanze preparate da Antonio. Lui, l’Amore.

Ho avuto il piacere di intervistare Antonella Cannarozzi che, per i costumi di questo film, è stata candidata all’Oscar. Molto raro che accada per un film ambientato nella contemporaneità. Ma Antonella, cresciuta tra i tessuti della sartoria di famiglia in Puglia, è la dimostrazione di quanto nella qualità di una ricerca non ci sia distinzione tra passato e presente. Conoscere la moda e avere cultura di essa è quello che conta per modellare un abito sulla storia di un personaggio.

Non conta l’abito che indossi, conta la vita che vivi in quell’abito (Diana Vreeland)

Se dovesse identificare un’emozione forte che si esprime attraverso un solo capo e in uno dei film per cui ha lavorato, quale capo d’abbigliamento sceglierebbe?

Ripensando ai miei lavori, non posso dire che ci sia un capo specifico che io prediliga a priori. Tuttavia, nel mio percorso professionale, ci sono state molte folgorazioni. Mi è capitato spesso di essere attratta istintivamente da un capo di abbigliamento per la forza con cui evoca in me la strada per costruire un personaggio. Ecco, posso dire che la capacità che ha un certo capo di trasmettermi informazioni su ciò che deve essere quel tale personaggio, nel rispetto della storia, della regia e del segno stilistico, è il mio capo elettivo. E’ chiaro che questo capo miracoloso è diverso di volta in volta, a secondo del film realizzato o da realizzare: la stola di Tilda Swinton futurista in Io sono l’amore, il mini-abito rosso fuoco di Valentina Cervi in Provincia Meccanica, il parka bianco di Alba Rochrwacher ne La Solitudine dei numeri primi, ma anche i suoi collant color carne. Detto questo, credo che le scarpe giochino un ruolo fondamentale nel costume, anche se spesso purtroppo sono ignorate dalla macchina da presa. Esse possono determinare una silhouette, modificandola a secondo della loro altezza, comodità, stabilità e via dicendo. Insomma, influenzano il modo di camminare e di stare nello spazio.

Qual è lo stile che più le appartiene e quali stilisti, sia contemporanei che del passato, apprezza particolarmente?

In passato sono stata una fashion-victim e anche oggi sono molto interessata alla moda, la seguo per un interesse personale ma anche perchè credo sia essere uno strumento necessario e imprescindibile per il mio lavoro di costumista. Per quanto mi riguarda, conoscere la moda, avere cultura di essa, mi permette di maneggiarla nel miglior modo utile al personaggio, non a riproporre “la passerella”, e anche ad avere tutti gli strumenti per potersene distanziare quando occorre.

Per quanto riguarda il mio stile personale, direi che oggi prediligo un modo di vestire informale ma ricercato, mi riferisco ad un’attenzione al taglio, ai materiali, ai colori.

Gli stilisti che apprezzo sono molti, ognuno di loro ha contribuito a formare il mio gusto, alimentando la mia curiosità, il mio spirito di ricerca, ampliato la mia cultura. Per quanto riguarda il passato, sono molto affezionata a Walter Albini, naturalmente ad Yves Saint Laurent, Moschino, Martin Margiela. Oggi, ancora Yves Saint Laurent, Céline, in parte Stella McCarteney, Segio Zambon.

Nel film “Io sono l’amore”, il Signor Recchi afferma che nella loro azienda “ogni tessuto è la testimonianza di ciò che siamo stati”. Anche la palette di colori degli abiti di Tilda Swinton sembra testimoniare il mutare delle sue emozioni, ora in accordo con l’architettura più rigida di Milano, ora con la vivacità dei colori delle pietanze preparate da Antonio. Quali sono i dettagli dei costumi su cui si è focalizzata per meglio raccontare la storia di Emma?

I costumi di Io sono l’Amore sono la summa del mio pensiero sul fare costumi e sono enormemente felice che proprio questo film dalle forme pulite, rigorose, semplice ma allo stesso tempo estremamente ricco, mi abbia regalato una così grande soddisfazione. Quando dico ricco, non mi riferisco all’ostentazione del lusso, mi riferisco ad una ricchezza di dettagli, alla precisione delle scelte, alla ricerca meticolosa di ogni accessorio, di ogni materiale, di un cerchietto per capelli. Questo era il mondo dei Recchi, questo era il mondo da cui Emma era stata plasmata. Abbiamo cercato di ricreare quel mondo.

Quale forma d’arte ama associare più spesso ai costumi?

Per quanto riguarda la forma d’arte a cui guardo per i miei costumi, prediligendo il costume contemporaneo, la fotografia è la mia più grande fonte di ispirazione. Nel corso del tempo ho saccheggiato molti fotografi, Tillmans, Diane Arbus, Nan Goldin, Slim Aarons… Ma ogni forma di arte visiva è per me una preziosa fonte di ispirazione, dalla pittura classica alle istallazioni, passando per la video arte e i fumetti.

“Une Histoire de luxe” è una storia sul lusso, un “lusso” visto come arte di saper comunicare attraverso uno storytelling emozionale, fatto di ricerca e incontro armonico di diversi saperi. Legandosi a questo concetto, nel suo mestiere di costumista, qual è per lei il sinonimo di “lusso”?

Il lusso è avere la possibilità di scegliere con cura estrema tutto ciò che ci circonda e che ci nutre, direi che nasce più che altro da un bisogno intellettuale.

Tilda Swinton in Jil Sander, Autunno/Inverno 2008-2009. Ph. via Vogue.it

Tilda Swinton in "Io sono l'Amore". Photo courtesy of Magnolia Pictures

Tilda Swinton in "Io sono l'Amore", Milano. Photo courtesy of Magnolia Pi

Tilda Swinton con Edoardo Gabbriellini in "Io sono l'Amore". Photo courtesy of Magnolia Pictures

Tilda Swinton in "Io sono l'Amore". Photo courtesy of Magnolia Pictures

Tilda Swinton con Edorado Gabbriellini in "Io sono l'Amore"

Tilda Swinton in "Io sono l'Amore". Photo via Vogue.it

Tilda Swinton in "Io sono l'Amore". Photo courtesy of Magnolia Pictures.

Emma Recchi (Tilda Swinton), costume design by Raf Simons per jil Sander. Photo via nydailynews.com

Emma Recchi (Tilda Swinton), costume design by Raf Simons per jil Sander. Photo via nydailynews.com

Emma Recchi (Tilda Swinton), costume design by Raf Simons per Jil Sander. Photo via nydailynews.com

La difficoltà ad instaurare dei rapporti si rispecchia visivamente in una provincia del tarantino, Massafra, in bilico tra la bellezza dei paesaggi naturali e il degrado di una periferia lasciata nel totale oblio.

Annalisa è una “Madonna randagia“, come l’ha definita Mario Desiati, autore dell’omonimo libro da cui il film è tratto. Una Madonna, dolce e feroce allo stesso tempo, che “cade” all’improvviso nelle vite di Veleno e Zazà. Il volo dal tetto di una chiesa con cui è introdotto il suo personaggio, la carica di quel mistero, fatto insieme di morte e salvezza, che racchiude in sé.

Aylin Prandi, l’attrice che la interpreta, svela a tratti il suo accento straniero che, inserito nel contesto, lascia una certa perplessità. “Non era importante la provenienza nella scelta del personaggio. Ma l’accento straniero in qualche modo ne aumenta il fascino quasi “esotico” e il distacco dagli altri protagonisti. Annalisa sovverte l’ordine naturale delle cose attraverso la forza del dolore e la ricerca dell’amore. La sua bellezza, il mistero e l’impalpabile sensualità, ammaliano Veleno e Zazà. Annalisa diventa la “Madonna laica” a cui si votano“, afferma Mezzapesa.

Il triangolo fatto di giochi ed emozioni adolescenziali, che non vogliono essere né amore, né passione, sfocerà per Veleno nell’occasione di poter diventare un “uomo”.

Veleno e Zazà, due ragazzi cresciuti in famiglie opposte, l’uno con un padre avvocato ed una madre comprensiva, l’altro abbandonato a sè stesso e con un fratello malavitoso. Due vite, le loro, che trovano un punto di congiunzione nella condivisione della bellezza e del dolore, due elementi che si condensano in Annalisa. Quando i due ragazzi entrano nella casa e nella vita di questa donna dall’aspetto angelicato, diventano come i custodi di un mistero che loro stessi non riescono a scoprire.

L’obiettivo di Pippo Mezzapesa era quello di raccontare, più visivamente che da un punto di vista narrativo, l’essenza dei personaggi e l’atmosfera di un territorio che si riflette anche sugli animi.

“C’è come una maledizione che impedisce di vivere l’amore. Veleno, Zazà e Annalisa cercano di superare il limite, si sforzano di raggiungere la felicità, ma restano come condannati ad un destino da cui non possono sottrarsi se non attraverso la solidarietà. I tre personaggi non riescono a vivere da soli, ma riescono ad emergere affrontando insieme sia la gioia che il dolore“.

Ogni elemento del lungometraggio trasmette un senso di sforzo, una tensione verso il bello e insieme un senso di sospensione. Tutti sono in bilico. Veleno lo è tra la morale famigliare e l’esigenza di “sporcarsi della vita”, Zazà tra il carcere e il tentativo di evadere inseguendo il sogno del calcio, Annalisa tra l’autolesionismo e il bisogno di amore. “Il tagadà è il palcoscenico del dolore di Annalisa. La scena sulla giostra rappresenta il momento in cui lei può farsi guardare da tutti, scegliere se aprirsi o chiudersi verso gli altri. Anche il suo sguardo verso Zazà che tenta di avvicinarsi a lei è confuso, sembra dire: se ti avvicini ti distruggo, ma ho anche bisogno di te“.

Tra autodistruzione e ricerca di amore, Annalisa resta il personaggio a cui il regista dice di sentirsi più legato, nonostante sia quello meno raccontato.

Ma in fondo è nell’assenza di una storia che questa figura onirica trova la sua ragione di essere.

Poesia e realtà ne Il paese delle Spose Infelici convivono e simbolicamente si sfidano in un campo di calcio, dove vincerà chi riuscirà a riemergere da ciò che il destino gli ha negato. Magari solo avendo il coraggio di esprimere il proprio bisogno di amore.

Ma tu quel giorno volevi morire veramente?

No, non volevo morire.

E cosa volevi fare?

Volare.